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Quelle différence entre le Webtoon, le Web Novel et le Light Novel ?

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Vous avez surement entendu ces trois termes, voir les lire sans savoir ce qui les différencie l’un de l’autre. Pourtant, il y a bien de grandes différences entre les Web Novels, le Light Novel et le Webtoon. Mais ils sont toutefois le même but : faire rêver leurs lecteurs.
Aujourd’hui, je vous présente rapidement ces trois formats et leurs différences.

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Le Webtoon

Le Webtoon est un format littéraire qui prend la forme d’une bande dessinée. Il tire son influence des mangas et des manwha. Sauf que le Webtoon est publié en ligne, par des auteurs généralement indépendants, qui peuvent être des professionnels ou non.
Contrairement aux mangas, les dessins de Webtoon doivent être en couleurs, avoir un format en « scrolling » (lecture verticale de haut en bas). Avoir également des cases rectangulaires pour être adaptés aux écrans Smartphones et une frontière floue entre cases et caniveaux. Bref, le Webtoon est fait pour être lu en ligne, même si aujourd’hui de nombreux Webtoons sont publiés en format papier comme une BD.
Grâce à ce type de format, les Webtoons suivent un mode de publication sérialisé, c’est-à-dire qu’ils sont publiés chapitre après chapitre, semaine après semaine, mois après mois, offrant ainsi la possibilité aux lecteurs de suivre leurs histoires au fur et à mesure de leur création.

La plupart des Webtoons ont une histoire originale, mais il arrive qu’un Light Novel ou un Web Novel se retrouve adapté.
À la différence des deux autres formats, le Webtoon est souvent caractérisé par un style graphique dynamique, simple et coloré et par des bulles de texte très brèves et rapides à lire, rendant l’histoire très immersive.

Si vous voulez plus de détail sur les Webtoons, voici un article plus long sur le sujet : C’est quoi un Webtoon ?

Le web Novel

Le web Novel est un format né en Asie du Sud au début du 20ème siècle sur des forums d’écriture avec le début d’internet. Ceci consiste à publier une histoire sur une plateforme en ligne. Les web Novels sont souvent écrits par un auteur indépendant, amateur ou professionnel.
Ces romans suivent un rythme de publication sérialisée, chapitre après chapitre, ce qui permet aux lecteurs de suivre son histoire au fur et à mesure de sa publication comme avec les Webtoons.
Le Webtoon a fait émerger un nouveau mode de lecture et d’écriture mettant en avant la communauté. En effet, les plateformes proposent généralement des outils permettant aux auteurs d’échanger avec leur communauté et aux lecteurs de donner leurs impressions sur les histoires et chapitres qu’ils viennent de lire.

Les web Novels sont souvent écrits dans un style simple et direct, avec un langage simple. Les chapitres qui les composent sont relativement courts, entre 1500 et 2500 mots, se caractérisent par la présence de nombreuses actions prenantes et par un rythme de narration dynamique.

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Le Light Novel

Le Light Novel est à moitié un Web Novel et un Webtoon, car il utilise à la fois du texte et des illustrations pour raconter son histoire.
Le Light Novel est donc un sous-type de roman asiatique. Contrairement à nos romans, les Light Novels utilisent des paragraphes courts et ont beaucoup de dialogues.
En gros, un Light Novel est l’équivalent d’un roman illustré, publié aussi bien au format numérique qu’au format papier.
De la même façon que le Webtoon, les Light Novels sont souvent basés sur des Web Novels et font souvent le pont entre auteurs et dessinateurs.

Si vous voulez plus de détail sur les Light Novels, voici un article plus long sur le sujet : Un Light Novel et un Web Novel, c’est quoi ?

En conclusion 

Quels points communs ?

— Leur contenu est publié en ligne par épisodes ou par chapitres.
— Ils peuvent couvrir une grande variété de genres.
— Ils favorisent une narration immersive et captivante.

Quelles différences ?

Web Novel

— Le Web Novel se concentre sur du texte uniquement.
— La longueur de chacun de ses chapitres est variable, le plus généralement entre 500 et 3 000 mots chacun.
— Ils sont publiés sur des plateformes web dédiées, des applications mobiles ou encore des forums d’écriture.
— Ils sont souvent écrits dans un style conversationnel et accessible.

Webtoon

— Le Webtoon se concentre sur des images, ayant souvent un style proche de celui du manga.
— Son format de lecture est vertical, adapté à la lecture sur les Smartphones.
— La longueur de chacun de ses chapitres est variable et généralement découpée en plusieurs « scrolls », c’est à dire débilement d’écrans.
— Le Webtoon est publié sur des plateformes web dédiées ou des applications mobiles.

Light Novel

— Le Light Novel est un roman illustré au format broché, poche ou en ebook.
— La longueur moyenne d’un Light Novel est de 100 à 200 pages par volume.
— Le Light Novel est souvent disponible en librairie, mais également sur des plateformes web dédiées.

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Les Gravity cakes

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Grâce à l’arriver d’internet, beaucoup de pâtissiers ont démontré leur art en créant des gâteaux de plus en plus beau visuellement, et spectaculaire. C’est le qu’à avec les Gravity Cake, qui sont là pour être savoureux et faire un effet wouah.

Note : Les images viennent de Pinterest, je vous conseille d’aller sur ce réseau social pour voir les auteurs de ses gâteaux et leurs œuvres culinaires.

C’est quoi un Gravity Cake ?

En résumé, le Gravity cake est un gâteau sur lequel on fait suspendre dans les airs, comme par magie, un autre élément. Ça peut être des bonbons, une tasse de thé, un liquide. Le gâteau semble pris dans un tableau, tout en donnant un effet de mouvement. Le Gravity cake est si impressionnant, visuellement, que l’on vient à ce demander comment il tient.
Au même titre que le Cake-design, le Gravity cake est un art comestible, en bref, c’est de la pâtisserie artistique. Qui demande d’utiliser son imagination et ces capacités.

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D’où vient le Gravity cake ?

L’origine exacte du Gravity cake n’est pas  vraiment connue avec certitude. Cependant, il y a quelques indices qui nous permettent de retracer son histoire.
Ainsi, ce serait en 2016 que la mention de « gâteau suspendu » ou « Gravity cake » apparaît pour la première fois sur les réseaux sociaux, notamment sur Instagram et Pinterest.
Une année plus tard, la popularité du Gravity Cake explose complètement grâce à des publications virales sur des sites web culinaires. Ce serait d’ailleurs Cindy Wang, une pâtissière américaine qui aurait popularisé le Gravity cake avec ses créations originales et ses tutoriels vidéo.
À ce jour, certains pensent que le Gravity cake s’inspire à l’origine d’une technique japonaise appelée « nagashi somen », où des nouilles fines sont disposées en cascade sur un plateau en bambou. Mais ça reste encore à prouver.

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Comment réaliser un Gravity Cake ?

Le Gravity cake repose sur une technique pas si compliquer au premier abord, mais qui demande beaucoup de patience.
En faites, il suffit de planter une pique à brochette dans la base du gâteau et de l’entourer d’une paille. Ensuite, on n’a plus qu’à recouvrir la paille de chocolat fondu et de coller les bonbons dessus ou d’autre objet. Vous pouvez bien sûr décliner le concept avec d’autres ingrédients comme la pâte à sucre. Seule contrainte, il faut que la matière soit suffisamment malléable pour prendre la forme voulue et qu’elle durcisse ensuite pour donner de la structure à la création.
Mais attention plus le Gravity Cake est complexe et l’objet suspendu est lourd plus l’armature devra être solide.
Si vous cherchez à suspendre un autre gâteau au-dessus d’un autre, il faudra des tiges en métal au lieu d’un pique de bois.
Sinon, il existe es structuré déjà toute faite et en vente sur internet pour vous permettre de faire des Gravity Cake sans avoir un diplôme d’ingénieur en poche.

En résumé, il faut :
— Un gâteau : Il sert de base et il sera la partie manger par vous et vos invités.
— Une armature : Une armature garantira la stabilité de votre Gravity Cake. Plus l’objet suspendu est lourd plus elle devra être solide.
— Un coulis : En chocolat, pâte à sucre, il fera le liant entre le gâteau et l’objet suspendu. Il recouvre toute l’armature. Il peut être décoré de bonbon.
— L’objet suspendu : ça peut être un simple sachet en papier d’où tombe le coulis, un objet comme une tasse ou bien plus gros comme un autre gâteau.

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Comment conserver un gâteau de type Gravity Cake ?

Il est tout à fait possible de conserver un Gravity Cake dans un environnement frais et non au réfrigérateur du moins s’il n’a pas d’élément fragile, comme la crème chantilly.
Toutefois, une exposition prolongée à l’air pourrait abîmer le gâteau. Évitez une exposition à la lumière du soleil ou à proximité d’une source de chaleur ou d’humidité. Un endroit à l’abri de la lumière comme une cave ou un sellier est préférable. Mais un réfrigérateur reste la meilleure solution. Vous pourrez le garder pendant 2 à 3 jours avant de le servir.
Lors d’un événement, il faut mieux le présenter une demi-heure avant la découpe. Pour que les invités puissent le regarder et que la chaleur environnante ne l’abîme pas.

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6 astuces pour vous aider à création d’un personnage

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Créez des personnages principaux ou secondaires demande un certain travail. Surtout si vous voulez que les lecteurs s’y intéressent. Il existe plusieurs astuces pour vous aider dans cet exercice. En voici quelques-uns.

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Le Carnet

Une astuce simple et indémodable, avoir un carnet sur soi, pour écrire les idées qui fusent dans votre tête. Mais aussi pour noter les moments du quotidien ou la personnalité d’une personne que vous avez croisée. Ainsi vous pourrez vous construire au fur et à mesure une base de données de personnages.
Si vous êtes plus à l’aise avec l’informatique, n’hésitez pas à remplacer votre carnet par votre téléphone portable.

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Le répertoire à nom

Un autre carnet, mais cette fois pour noter les noms et prénoms de vos personnages par ordre alphabétique. Barrez les noms dès qu’ils sont utilisés dans une œuvre. Vous pouvez également les souligner par code couleur pour les trier par prénoms féminins, masculins ou mixtes.
Vous pouvez aussi faire un dossier de liens internet sur votre portable ou ordinateur vers des sites de nom ou des générateurs. Le but étant de vous facilité la tache dans votre recherche et surtout de garder sous le coude, les noms que vous aimez.

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La fiche de personnage

Un grand classique. Il permet de mettre dans une seule fiche toutes les caractéristiques de votre personnage, ainsi que son comportement et la nature de ses relations avec les autres personnages du roman. Il permet surtout de tout mettre au clair.
Si vous êtes du genre planificateur, c’est l’outil idéal. Vous n’avez plus qu’à regarder vos fiches pour savoir comment vos personnages devraient se comporter.

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Le synopsis/résumé

Un point incontournable à faire lors de la création de votre personnage. Ça consiste à résumer la vie d’un personnage en dehors et pendant le livre. Cet exercice peut prendre plusieurs pages.
Il permet en outre de construire l’intrigue principale ou d’étoffer les intrigues secondaires reliées à certains personnages.
À utiliser si votre histoire est complexe et si vous avez beaucoup de personnages secondaires et d’intrigue.

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L’interview de personnage

Une simple interview peut permettre de donner plus de présence et de vie à votre personnage. C’est un très bon exercice d’écriture. Ça permet de mettre plus au clair ses réactions et son caractère.
C’est différent d’une fiche de personnage qui permet plus de réfléchir au personnage en amont (physique, histoire, préférence…) alors que l’interview donne un aperçu plus vrai.
Faites l’interview comme un vrai journaliste ou un échange entre deux amis.

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L’illustration

Pour ma part, c’est la dernière chose que je fais. Mais d’autres auteurs ont besoin d’illustrer leur personnage avant de les décrire. Vous faites comme vous voulez. Le plus important, c’est de donner vie autrement à votre personnage par un dessin, ou même une photo. Cela permet d’imaginer plus facilement les traits et le physique d’un personnage. En plus, ça aidera lors de la conception future de la couverture.

Ou faire des recherches pour son livre ?

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Pendant l’écriture de votre livre, il arrive que vous vouliez rendre votre histoire plus authentique. Soit pour plonger le lecteur dans votre univers ou pour rendre votre récit plus crédible. C’est le cas souvent dans les romans de voyage, les thrillers ou même la fantasy. Voici donc quelque endroit pour vous aidez à faire vos recherches.

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Internet, le meilleur des alliés

Maintenant grâce à internet, c’est bien plus rapide de chercher des informations. Il suffit de taper ce que vous voulez dans une barre de recherche pour trouver vos réponses.
Toutefois, par moments, il faudra approfondir votre rechercher, voir les rechercher dans une autre langue.
Internet ne veut pas dire que vous trouverez tout rapidement. En plus, il faudra également vérifier les sources, car internet peut parfois regorger d’information dépassée ou fausse.

Je vous conseille de chercher d’abord sur des sites comme Wikipedia.
Mais également de faire un tour dans des forums ou des pages facebook. Il existe aussi Google Livres, qui permet de fouiller dans les livres répertoriés grâce à la recherche de mots-clés.

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Contacter des spécialistes

Il arrive que parfois ni texte ni livre ne permettent de raconter ou exprimer toute l’authenticité d’un métier, d’un événement ou d’un voyage. Le mieux, c’est d’aller voir directement un spécialité. Un e-mail peut faire l’affaire. Mais, il est plus recommandé de parler de vive voix. Beaucoup de personnes sont heureuses de partager leur histoire, leur expérience ou leur sagesse. Surtout que ça rajoute une certaine ambiance à votre livre.

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La bibliothèque, un classique

La bibliothèque, une ode au livre. Un lieu où vous pouvez trouver de nombreux ouvrage plus en vente ou oublier. Toutefois, il faut avoir une bibliothécaire qui connait bien son stock de livres. Seule, la recherche d’un livre devient une quête digne d’un roman de fantasy.

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 Allez sur place

Besoin de décrire un lieu, un paysage ou un sentiment. Il suffit parfois de faire le déplacement pour ressentir et mieux raconter ce que doit vivre votre personnage. C’est un moyen idéal pour que le récit ne soit pas vide où vous pourrez y conter les cinq sens éprouvés.
Toutefois, ceci peut avoir un certain cout.

D’où vient le cosplay ?

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Si vous êtes allé au moins une fois dans une convention mangas, vous avez au moins vu une fois une personne déguiser en son personnage préféré. Vous vous êtes même posé des questions au sujet du Cosplay qui prend une place de plus en plus grande dans le monde de la pop culture, du manga, du cinéma et des romans. Voici tous les détails au sujet du Cosplay de sa création à aujourd’hui.

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L’origine du Cosplay

Aussi étonnant que cela paraisse, le premier Cosplayeur ne vient pas du Japon, mais d’Amérique. Le premier Cosplayeur est apparu en 1939 lors de la World Science Fiction Convention (Worldcon), une convention sur la science-fiction. Un homme nommé, Forrest J Ackerman serait venu déguiser en homme du futur.

Mais c’est dans les années 70 à 80 que le Cosplay connaitra son paroxysme aux États-Unis grâce à Star Trek et Star Wars. Les nombreux fans de ces univers rendront hommage à leurs héros préfères lors des conventions ou festivals. Il y aura même le premier concours de Cosplay appellé la « Masquerade » qui réunira des Cosplayeurs de plus en plus nombreux au fils des années.

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Le Cosplay arrive au Japon

Sachez que même si le Cosplay est né en Amérique, le terme Cosplay est quant à lui japonais. Il s’agit d’un mot associant « costume » et « playing » qui signifier : un loisir qui consiste à reproduire ou à porter le costume d’un personnage issu de la pop-culture et d’en adopter l’attitude en imitant ses poses.
C’est ailleurs lors d’une des conventions en Amérique qu’un journaliste japonais inventera le terme Cosplay.

Le Japon découvre le Cosplay au début des années 80 et ce loisir prendra une dimension incroyable. Les Japonais adorent et adhérent rapidement au phénomène. Contrairement aux Américains, les Japonnais font bien plus loin, ils se déguisent en personnages de mangas, de comics et même de jeux vidéo.
Tokyo est connu pour être le centre névralgique japonais du Cosplay. Les quartiers d’Harajuku et Shinjuku sont les plus populaires.
Pour les Japonais, le Cosplay c’est de l’art, voire un métier pour certains. Donc il est important pour eux que leurs costumes soient réalisés entièrement à la main. Le mimétisme dans la tenue et dans les postures est le but ultime. Ils doivent devenir le personnage qu’ils incarnent.

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L’Europe découvre le Cosplay

Le Cosplay arrive plus tard en Europe, surtout en France en Allemagne et en Italie vers fin 90 et début 2000. Les Cosplayeurs européens sont aussi minutieux que les Japonais préférant créer eux-mêmes leurs costumes et en prenant soin d’être le plus fidèle possible à l’œuvre originale.
Les premiers concours de Cosplay font rapidement leurs apparitions. Où, il est demandé aux Cosplayeurs de monter sur scène pour présenter leurs créations et une performance scénique. Celle-ci peut prendre plusieurs formes telles que la reproduction d’une scène de l’œuvre originale, la création de scènes inédites ou encore de scènes parodiques et humoristiques.

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De nos jours

Aujourd’hui, le Cosplay est un loisir qui se pratique dans le monde entier et dont chaque pays a ses spécificités. Il s’agit d’un évènement incontournable dans les salons, il peut se faire seul ou en groupe, pour le plaisir ou la compétition, qu’il soit acheté ou fait main.

Il a un tel succès, qu’en 2003, l’Allemagne, la France, l’Italie et le Japon sont invités à participer à la première édition du « World Cosplay Summit » à Nagoya. Ce concours deviendra plus tard la plus grande compétition de Cosplay au monde avec la participation de plus de 40 pays.
Le concours consiste à envoyer un binôme chargé de représenter son pays et concourir pour le titre de meilleurs Cosplayeur.
Sachez que la France a remporté le précieux titre de champion en 2007.

En plus des concours, il existe d’autres variantes du Cosplay, comme le zombie walk, initié en 2005 aux États-Unis. Le but est de se déguiser en mort-vivant et déambuler dans les rues. Le phénomène est tel qu’il est devenu mondial. Là encore le costume se transforme en véritable œuvre d’art avec plusieurs tendances qui se dessinent : le style militaire, la médecine, les costumes inspirés de certains films ou séries, ou encore le détournement de personnages de fiction en mode zombie.

Le Cosplay évolué s’en cesse grâce aux nouvelles technologies. L’imprimante 3D fait partie des machines qui ont permis de créer des costumes de plus en plus sophistiqués. Certains vont même jusqu’à inclure de l’électronique dans leurs Cosplay.
Bref, le Cosplay est devenu un art, un loisir, un plaisir. Mais surtout il réunit des passionnés qu’ils soient débutants ou professionnels.

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Les créas de Rose
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